Un ballo in maschera

Stai per vivere cosa succede quando ho l'opportunità di interrogare Verena von Kerssenbrock per un'intera ora sulla sua messa in scena – o, per essere onesti, di farle domande incessanti. Quanto segue è, come sempre, la mia personale opinione – questa volta con molte profonde intuizioni sul concetto di regia di Verena von Kerssenbrock!

Ci sono opere che raccontano di amore e tradimento. E ci sono opere che sono già di per sé un dramma di tradimento, travestimenti e fughe dall censura, prima ancora che la prima nota venga suonata. „Un ballo in maschera“ è entrambe le cose – ed è proprio per questo una delle opere più affascinanti che un team di regia possa desiderare: un'opera sulle maschere, scritta sotto la costrizione di dover indossare essa stessa una maschera.

La trama

Riccardo, governatore di Boston, ama segretamente Amelia – la moglie del suo migliore amico e confidente Renato. Quando Ulrica, la veggente, profetizza a Riccardo che morirà presto per mano di un amico, lui non fa altro che ridere. Durante un incontro notturno, Riccardo e Amelia si dichiarano il loro amore, ma Renato scopre la verità dietro il velo di Amelia – e, per tradimento e disperazione, si unisce ai cospiratori contro il suo ex amico. Durante il ballo in maschera, Renato estrae il biglietto dell'assassino e uccide Riccardo. Morente, Riccardo perdona tutti e conferma l'innocenza di Amelia – una fine che eleva l'opera oltre la semplice ballata di vendetta.

Un'opera nata due volte

Prima che Verdi scrivesse il suo governatore, voleva far assassinare un vero re. L'originale era l'effettivo omicidio del re svedese Gustavo III, che nel 1792 fu vittima di un attentato durante un ballo in maschera all'Opera di Stoccolma. Dopo un attentato a Napoleone III nel 1858, le autorità di censura nel Regno delle Due Sicilie, dove l'opera doveva originariamente debuttare a Napoli, ritennero che un monarca ucciso in scena fosse troppo politicamente diretto. Verdi dovette riscrivere: il re svedese divenne un governatore inglese della colonia americana di Boston, e Stoccolma si trasformò in un Nuovo Mondo, dove un funzionario ucciso era molto meno delicato di un re assassinato.

Questa versione americana – con Riccardo invece di Gustavo, con Renato invece di Anckarström – è quella che debuttò a Roma nel 1859 e che risuonerà anche da noi. Alcuni teatri oggi tornano alla versione svedese originale, poiché è storicamente più vicina. Ma proprio il travestimento americano ha il suo fascino: rende visibile ciò di cui l'opera tratta – che il potere, qualunque sia il costume che indossa, rivela le stesse profondità umane.

La messa in scena

Già durante l'ouverture inizia il vero pezzo – solo che senza un singolo tono cantato. Vediamo un uomo a teatro, circondato da costumi e maschere, che due Arlecchini incoraggiano a trasformarsi in un re. Trova un piccolo arco trionfale bianco giocattolo – e si immerge, appena passato con la mente, nel sogno di essere re. Questo piccolo giocattolo bianco non lo lascerà più: come re, in seguito si farà costruire degli angeli. (Chi è astuto penserà a politici contemporanei quando si parla di archi trionfali e sale di gala!) Un soldatino di stagno sta accanto e mostra già qui, in tutta calma, ciò che muoverà l'intera opera: il potere dell'esercito, che dovrebbe proteggere un re – e la sua impotenza quando è il momento di agire.

Quando poi il sipario del primo atto si apre davvero, il sogno è diventato realtà. O no? Ancora brillano in alto i palchi del teatro, ancora il sipario si nasconde da qualche parte sullo sfondo – non siamo mai del tutto certi di essere già arrivati nella realtà. Il nostro re sole si sveglia, circondato da cortigiani che lo vestono completamente per il suo nuovo incarico. Solo uno non indossa un travestimento: Renato, l'amico fedele e onesto – l'unico personaggio che inizialmente è ancora ciò che sembra essere.

E questo re non si innamora solo di Amelia, ma prima di tutto dell'idea stessa del potere: Voglio tutto, ottengo tutto – anche la donna che desidero! E tutti partecipano. Amelia, d'altra parte, vuole amare e rimanere fedele e cerca consiglio dalla veggente Ulrica. La sua profezia, che Riccardo morirà, viene liquidata da lui con un burattino di Arlecchino – un giocattolo che spazza via una verità mortale in modo giocoso, perché non vuole sapere nulla di essa.

Più la verità si fa strada, meno teatro rimane – e più cupo diventa ciò che emerge. I costumi vengono cambiati in scena, le dame di corte diventano „semplici donne di villaggio“ – solo che nella fretta le parrucche rimangono sulle teste. Il re appare in costume da pescatore – apparenza e verità si contendono per tutta la serata, e nessuno vince del tutto. Ulrica stessa appare solo in brevi lampi di verità – è verità o solo il caso di una previsione?

Quando il re viene riconosciuto da troppi, torna tra gli applausi nel suo abito regale - e chi osserva attentamente vede di nuovo uno dei tanti piccoli, ma espressivi dettagli della serata: La morte stessa porta l'abito da re per cambiarlo e lo porge – Renato. L'amico consegna così praticamente a mano l'abito della morte all'uomo che ancora crede sia il suo amico. Un'immagine silenziosa che racconta più di ogni dialogo: tradimento e fedeltà, amore e omicidio si trovano per questo unico momento nello stesso costume.

Nella ricerca dell'erba che dovrebbe aiutare Amelia a essere onesta, Riccardo la segue di nascosto. Si rivela e da questo incontro nasce il famoso duetto d'amore, in cui entrambi sono finalmente onesti l'uno con l'altro. Ma mentre si confessano ciò che provano, sullo sfondo l'oltretomba diventa già visibile: La morte danza – e osserva ciò che Renato osserva anche: la scena d'amore tra sua moglie e il suo migliore amico.

Quando Renato scopre l'amore di sua moglie per il re, la catastrofe inizia il suo corso. La lite coniugale e il successivo tradimento di Renato – ora anche lui, l'unico non travestito, è nel costume del bugiardo – fanno parte della scena preferita della nostra regista: viviamo da vicino la cospirazione, fino all'estrazione per l'omicidio.

E poi, alla fine, il cerchio si chiude: mentre il re, accoltellato, canta la sua ultima, morente aria, il secondo Arlecchino dell'inizio torna – con le lenzuola del re? tra le braccia. Il re vi cade dentro, e non sappiamo più esattamente: è appena morto, o si è solo svegliato? È stato tutto il regnare, tutto il lusso, tutta la colpa e tutto il tradimento solo un sogno, da cui la morte stessa lo riporta a letto? Verena von Kerssenbrock non risponde a questa domanda in modo coerente – ed è proprio qui che sta il punto: Il gioco tra sogno e realtà, con cui è iniziata la serata, non finisce nemmeno nella morte.

Come sempre, Verena von Kerssenbrock ha progettato e selezionato personalmente la scenografia – alcune delle pitture di sfondo provengono persino dalla sua mano. Presta particolare attenzione all'occhio come simbolo ricorrente della verità: a volte ci fissa da uno specchio, a volte ammonisce silenziosamente sullo sfondo o nascosto su un costume. E tieni d'occhio il disco di Ulrica – una lumaca che mostra il corso del mondo: continua a girare, imperturbabile, anche se la sala di lusso dell'inizio si è già trasformata in una danza della morte. Cielo e inferno, bene e male, giusta punizione? La verità non si preoccupa di questo. Comunque viene alla luce. Anche se a volte desideriamo che tutto questo sia solo un brutto sogno…

Musica che tocca nel profondo

Verdi mescola in quest'opera in modo insolito e coerente leggerezza e abisso. Il paggio Oscar fornisce slancio comico, mentre la trama principale si oscura sempre di più – un contrasto che rende la catastrofe finale ancora più acuta. La scena della veggente Ulrica nel primo atto è uno dei momenti più densi di atmosfera della partitura: colori sonori quasi occulti, da cui prende avvio l'intera tragedia. E il duetto d'amore nel secondo atto è uno dei momenti emotivamente più intensi dell'intera opera di Verdi – quel breve, prezioso istante in cui due persone sono oneste l'una con l'altra, poco prima che il mondo intorno a loro ricominci a mentire.

Per il protagonista, ciò significa una delle parti di tenore più impegnative di Verdi: Riccardo deve oscillare tra altezza splendente e delicatezza lirica, deve rendere credibile sia il sovrano affascinante che l'uomo che perdona di fronte alla morte. Un'impresa – e proprio il materiale di cui sono fatti grandi serate d'opera.

Amicizia e tradimento, destino e libero arbitrio, amore proibito e grandezza del perdono: „Un ballo in maschera“ affronta grandi temi nel piccolo contesto di un ballo in maschera – e ci ricorda che le verità più interessanti si nascondono spesso dietro un travestimento.

Non hai mai vissuto un ballo in maschera così – una messa in scena di Kerssenbrock vale sempre la pena di essere vista – e se poi si aggiunge anche una direzione di Kerssenbrock, la realtà è un unico sogno…

Ci vediamo sulla collina.

Cordiali saluti
La tua Christiane Berker